音乐的静态和动态。说到钢琴音乐的静态和动态，首先要从钢琴的键盘构造说起。钢琴的发声原理是，通过弹奏键盘，传导致钢琴内部的弦槌，再通过弦槌的击弦运动，发出声响。钢琴的音响效果，就是在击弦的那一霎那决定的。击弦过后，钢琴音色的塑造就已经完成。换句话说，只有那么“一下”。从这个角度来说，钢琴是一件打击乐器，每一个音符的发生和完成，是一瞬间的，是相对静止的，是不可能延续或者改变音色的。钢琴的本原性中，就有一点是，歌唱性极差，想要塑造旋律是非常困难的，音色距离人声较远。音头有敲击的感觉并且稍纵即逝的音色，使得线条做到Legato极其困难。这就使钢琴的声音容易发出打击乐的效果，单个声音独立而且静止不流动。因此，钢琴的声音是有这种静止性的弱点的。难怪经常有老师提醒学生某处要“拉住”，不要停滞不前。“要有方向！”“Destination!”
因此，作曲家们在创作钢琴作品时，已经注意到了这一点，并且在创作手法上采用了吻合钢琴特点的织体和语汇。Mozart, Beethoven, Chopin, Liszt等等作曲家，都在钢琴作品中注入了大量的动态因素，包括流动性的线条，音阶与琶音等织体的大量运用，etc.在这里，Mozart 和Chopin 对于钢琴音乐的动态特征的挖掘，有着特殊的贡献，功不可没。
Mozart在钢琴音乐中的特点：歌唱性不仅表现在咏叹调，而且表现为歌唱性的快板。利用了钢琴本原性中的动态优势，发掘歌唱性的线状结构，扬长避短。
Chopin在创作中，大量通过重复音，音头，装饰音，双音颤音和织体语言，让音符运动。他的歌唱性的长段独白，有一种有意味的线条，如作品25 之2 ，像中国书法，似字非字，似画非画，间于字与画之间的有意味的线条。
再如，Chopin 在他的Etude Op.10 No.1当中，充分体现了钢琴的丰富的动态语言，而且左右手的内容仿佛是专门为了说明动态和静态的区别的！你瞧，左手的八度一小节甚至两小节都是同一个，如果单独弹奏，肯定会给你停滞不前的感觉。但是，每一个左手八度之后，都是右手翻江倒海的长琶音来填充左手音符间的空白，来拉动音乐的进行，来丰富声音、和声色彩。
但是，音乐表现的各种性格，各种形象都被写进了钢琴作品。于是，钢琴作品中不仅包括了以上诸多种类的动态因素，而且还有很多形象和情感是通过寥寥几个音或者和弦来表达的。空空的几个音，往往最难弹。为什么？因为流不动了，“拉不住了”，静态的因素占了上风，音乐很容易停滞下来。如 Tchaikovsky Concerto No.1的副部主题，Chopin Sonata No.2－《葬礼》以及Liszt B minor Sonata的中段主题。对于这些段落的演奏，立刻就会让人想起钢琴键盘的静态性，想起它难以延音的弱点。因此，除了充分考虑到这些因素以外，最好用一句Mozart 的名言来提醒自己：“真正的音乐，在于音符之间”。
为什么说“真正的音乐，在于音符之间”呢？也许在这些音符少，静态因素多的片断体现的尤其明显。音符之间的内容是需要演奏者的气息和对音乐的理解来填满的。有了气息，就有了语气，哪怕是最慢的那一种，也具备了语言的特征，于是才有句子，有方向，有情感。而且这些片断往往是作曲家最内心，也是最内省的瞬间。但是，一旦音符的演奏停在了某个音上，哪怕音色再好，它还是孤立了。句子立刻失去方向，并且变成了纯粹的静态。这样，没有一个听众会坐得住。所以，“ 不流动”乃弹钢琴之大忌。
认识到这一点，不仅教我们学会分析和感受谱面上表达的总体意思，而且能够帮助我们更好的表现钢琴作品中的动态因素和静态因素。钢琴的器乐特点是相对静态的，打击乐的。但是，钢琴又有复杂的变化和键盘机械系统的动力特征。静态和动态在钢琴作品中，具有着相互依托的辨证关系。真正好的钢琴音乐，应该是动静结合的。既有动态的走向、流动性，又有相对静止的，内心的、内省的表达和相对独立的意境。当然，有一些更为特殊的作品，用大量的动态因素，表现的却是静态的意境，例如Debussy的《雾》。为了更深入的了解动静结合在作品中的表现，我们还可以比较Beethoven的《月光》－Adagio和Debussy《月光》异同。同样都是有月下的意境，前者主要动机是三连音连续的流动形成的动态，补充了主题的静止性。而后者的主题则完全是静止的，极其容易弹得停滞。通过对这两首作品的比较，说明钢琴音乐只有在静态的音符中寻找流动的可能，才能够丰富钢琴的表现力。
因此，从以上所举的例子和阐述的情况来说，钢琴音乐是动态和静态的结合，是流动性和静止性的统一。我们应当在钢琴延音方面的静止性的局限当中，努力寻求音乐的流动。也许音乐的流动不仅对于钢琴是非常重要的，而且是所有音乐表现力的重要因素。音乐是时间的艺术。有了流动，有了动与静的统一，就有了时间的脉搏，有了音乐的生命。如您还想要了解更多和资讯，请点击在线咨询，或拨打我们的咨询电话：***，***